PRIMER BIENAL INTERNACIONAL DE ESCULTURA - MARCOS JUÁREZ - CÓRDOBA - REPÚBLICA ARGENTINA

RUBÉN (TITO) INGENIERI Y SU CASA DE BOTELLAS

Rubén (Tito) Adolfo Ingenieri nació el 27 de mayo de 1954, en la localidad de Mataderos, Ciudad de Buenos Aires.
Obrero del arte, soldador, herrero y portero de escuela. Artista sensible, escultor, autodidacta, audaz, desprolijo, caprichoso, desapegado, amable y generoso; marginal por elección, porteño de nacimiento y quilmeño por adopción.
Hay obras suyas en colecciones privadas de América y Europa, y otras tantas emplazadas en distintos lugares del mundo, como por ejemplo “Escombros” y “La Sobrecarga” (Berlín, Alemania), “El Quijote” (Casa del Cervantes, Madrid, España) o “Espectro de la Puna” (Casa de las Américas, La Habana, Cuba).

Una casa para nada convencional

Entre los 15 y los 20 años vivió en una casa en un árbol, hizo ropa con cámaras de autos, fue plomo de Almendra y Manal, estuvo internado 8 años en el Borda, trabajó en la primera versión del musical Hair, va por la vida en una bici de madera, no usa reloj ni celular, vive en una casa en la que los ladrillos son botellas, y mientras tanto construye un faro con los mismos materiales que la casa y que una vez terminado será su próxima morada.
"Yo mismo fui recolectando las botellas, y los elementos que conforman la estructura, el flete es mi osamenta, la escasez de medios, e imposibilidad de comprar ladrillos, cal, cemento, chapas, piedra, etc., me llevó a realizarla de esta forma. Siempre quise que mi casa fuera distinta a las otras, no cuento con medios, pero sí con creatividad, y la suficiente fuerza como para poder realizarla, aquí aplico el concepto que manejo corno escultor, que es el respeto por la materia, a través de la estética y un buen manejo técnico, enaltecer el material para convertir un hierro o una chapa herrumbrada en algo bello y sensible.
Elegí el camino más difícil, tanto en la vida como en el arte, con materiales nobles cualquiera puede hacer algo, pero de esas cosas que obtengo del cirujeo, allí ya es otra cosa.
Mi maestro en el arte ha sido el poder de observación y esas ideas locas como dicen los que me conocen. Albertazzi me enseñó los rudimentos de la escultura y a soldar, cuando de muchacho trabajaba en su negocio de carteles fueron dos años bárbaros llenos de cosas nuevas. Luego empecé Bellas Artes pero cierta autoridad en aquella época de la escuela (tiempos de uniformes) me echó por ser desprolijo y distinto, además decían que era burro que no sabía dibujar. Y bue-no, pobres, no sabían nada de lo que me estaba pasando por dentro. Hoy en mis exposiciones veo a alguno de ellos y muy circunspectos me dicen, felicitaciones y adelante Tito, yo les digo gracias ¿y su obra cómo anda? en fin, se piensan que por que soy pobre, soñador y me dedico a hacer este tipo de arte no soy alguien al que han de tener en cuenta. Claro en esta sociedad de consumo y ostentación, soy un ave rara.
Esta casa, que ya tiene en sus paredes 32.000 botellas en vez de ladrillos, no es la primera un tanto extraña, tuve otra donde termina el asfalto del río, allá por donde están los botes de los pescadores, era la copa de un árbol, allí armé una casilla muy linda de cuatro por cuatro y viví bastante tiempo, tenía luz a batería, mi tocadiscos y radio, junto con mis herramientas. Tenía 17 años cuando la construí, ayudado por un norteamericano, piloto de helicópteros, ex combatiente de Vietnam.
Y por eso la casa de botellas, para cambiar la historia, para que “copien el laburo, así se acaban las villas; ese es el mejor reconocimiento. El concepto es que la gente la copie… Yo quiero que la gente se despierte. ¿Cómo puedo hacer?”, reflexiona. “Estamos en la era de Mad Max y La naranja mecánica”.
Tengo cuatro hijos a los que quiero mucho Vanesa, Gisell, Gastón y Anyí.
Mi madre, Maria Echebeste, me transmitió el gusto por la música clásica y la literatura universal. También admiro a Antonin Artaud, Celedonio Flores, el flaco Spinetta, Rimbaud y Wagner.
Soy socialista, soy como la obra que hago que tiene un gran contenido y sentido social, pero cuidado, describo el medio ambiente que me rodea, no me van las ideas y conceptos foráneos que nada tienen que ver con mi realidad, el entorno natural y condición cultural de mi pueblo. El no tener prejuicios con materiales de desecho, e intentar ele-varlos a través del arte en la consi-deración valorativa, hace que me considere un artista social, y bueno, ese es mi estilo de vida, yo no milito en ningún partido político pero pienso así.
Mi casa me avisa cuando hay sudestada, es sencillo, como los picos de las botellas están hacia afuera y sin encorchar, el viento del sudeste penetra en ellas y al salir produce unas melodías tenues y bellas que me avisan que se viene el agua y que tengo que salir de aquí..."

Fuentes: http://abcdargentina.com/2010/01/21/%E2%80%9Cestamos-en-la-era-de-mad-max-y-la-naranja-mecanica%E2%80%9D/
http://www.taringa.net/posts/arte/1025371/La-casa-de-Tito-Ingenieri.html

LOUISE BOURGEOIS

Louise Caroline Bourgeois (París, Francia, 25 de diciembre de 1911- Nueva York, Estados Unidos, 31 de mayo de 2010 fue una reconocida escultora y artista francesa naturalizada estadounidense en 1955.
Louise Bourgeois trabajó con Fernand Léger antes de instalarse en Nueva York. Allí se casó con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater en 1938.
Los padres de Louise Josephine Bourgeois eran restauradores de tapices, desde los diez años empezó a ayudar a sus padres con los dibujos de los tapices y a completarlos. Tras haber obtenido el bachillerato en 1932, estudió matemáticas superiores en la Sorbona y geometría, esperando encontrar así un orden y una lógica en su vida. Desde niña, era turbulenta y se dio cuenta de que su niñera era amante de su padre.
Bourgeois se apartó de las matemáticas, en su opinión demasiado teóricas. Empezó estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger.
En 1937 conoció a Robert Goldwater, que se casará con ella y con quien se trasladará a Nueva York al año siguiente. Allí prosiguió el camino que había iniciado en París y llevó a cabo sus primeras exposiciones, impregnando sus obras, en especial esculturas, de esa vena psíquica, procedente de sus traumas personales.
Plenamente consciente de esta dimensión de su obra, está sin embargo muy alejada de las representaciones literales que caracterizaban en especial al surrealismo en su relación con el inconsciente, y en ese sentido abrió una vía muy vanguardista del arte contemporáneo. Sus esculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son uno de los ejemplos más conocidos.
Tuvo tres hijos: Alain, Jean Louis y Michel, fallecido en 1990.
Bourgeois falleció en Nueva York a los 98 años de edad.

LEONARDO VINCI

Leonardo Dante Vinci, conocido como Leo Vinci (n. en 1931 en Buenos Aires) es un destacado escultor argentino.
Egresó de las Escuelas Nacionales de Bellas Artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón, y de la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Patrocinado por el Fondo Nacional de las Artes, realizó un viaje de estudios por España, Italia, Suiza y Francia.
Participó en el Grupo del Sur, formado en 1959 junto con Aníbal Carreño, Carlos Cañás, Ezequiel Linares, Reneé Morón y Mario Loza. Esta agrupación tuvo relevante actuación en Argentina y el extranjero, bautizada por el crítico de arte argentino Rafael Squirru y celebrada por André Malraux y Lionello Venturi hacia 1960. El mismo André Malraux gestionó el viaje del Grupo del Sur, del cual Leo Vinci era el único escultor, a Europa.
Es profesor de dibujo y de escultura egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón" y de la Escuela Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Cárcova". Ejerció la docencia entre 1962 y 1976, año en el fue dejado cesante en sus cargos de profesor en las escuelas oficiales de Bellas Artes, por las autoridades de la dictadura militar. A partir de ese momento realizó obras como "Ausencia", "Hacia dónde", "Sólo la sombra" o "El que no está", vinculadas con las víctimas del terrorismo de Estado.
En 1987 fue co-fundador y vicepresidente de Fundart, Fundación para la Integración de las Artes. En 1989 es seleccionado para ubicar una obra de gran tamaño en forma definitiva, en uno de los patios de la Casa Rosada.
Posee el taller de escultura más grande de Latinoamérica al que concurren becarios argentinos y extranjeros.

HENRY SPENCER MOORE

Henry Spencer Moore (30 de julio de 1898 – 31 de agosto de 1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público.
Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana, posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya. Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.
Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.
Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su época, siendo considerado "la voz oficial de la escultura británica y la cara aceptable de la Modernidad". La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el West Wind en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico. Sin embargo, vivió modestamente y la mayor parte de su dinero fue usado para crear y mantener la Henry Moore Foundation, una fundación dedicada a promover la educación y fomento de las artes.

JEAN PIERRE AUGIER - Escultor

Nacido en 1941 en Niza, vive y trabaja entre los olivos de Saint-Antoine-de-Siga, cuna de su familia, Levens y Saint-Blaise (Alpes-Maritimes).
De niño, se interesó en las viejas herramientas abandonadas y a aprender a soldar con materiales diverso. El escultor se inspira en las viejas herramientas u objetos de hierro que transforma en personajes, mediante el agrupamiento o movimiento de los animales, para darles otra vida, la de una obra de arte.
Las mujeres, las parejas, la maternidad, fábulas y cuentos de hadas, la mitología y los temas religiosos son sus temas favoritos. Reconoce que su trabajo enfoca en cuatro "virtudes cardinales": la gracia, el movimiento, sensibilidad y humor. El arte de Jean-Pierre Augier consta de armonía, equilibrio, pureza y perfección de la forma lineal.
Su obra expresa la felicidad, pero la felicidad ganada a través del trabajo, el coraje, el talento, las virtudes diaria, invita a una mirada serena sobre los hombres, la naturaleza y las cosas.
Fuente: http://www.jpaugier.fr/

CAL LANE

Los invito a conocer a Cal Lane, una escultora canadiense con una gran sensibilidad capaz de convertir un rudo objeto industrial, en una delicada obra de finos dibujos que recuerdan a las clásicas piezas de encaje.

Obras cargadas de contrastes entre lo industrial y lo doméstico, lo masculino y lo femenino que nos despiertan la imaginación convirtiendo

objetos industriales en inspiradoras poesías visuales.

MIGUEL ANGEL

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni nació en Caprese, 6 de marzo de 1475 y falleció en Roma, 18 de febrero de 1564, conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida. Muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

ROGELIO YRURTIA - Escultor

Rogelio Yrurtia nació el 6 de diciembre de 1879 en Buenos Aires y falleció el 4 de marzo de 1950 , fue uno de los más destacados escultores argentinos.

A los 19 años ingresa a la Escuela de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y en el año 1918 estudia en el taller de Lucio Correa Morales.

En 1899, debido a sus notables dotes de artesano, gana una beca y al año siguiente se radica en Italia y París la influencia y los nuevos contactos europeos hacen que exponga el el Salón de la Societé National des Artistes Francaises en el año 1903, y obtiene al año siguiente el Gran Premio de Honor en la afamada Exposición Universal en la ciudad Saint Louis de Norteamérica.

En el año 1905 realiza su primer muestra individual en Buenos Aires y dos años más tarde gana el concurso para la realización de un monumento a Dorrego. Además, la Municipalidad de Buenos Aires le encarga el Canto al Trabajo. También en Argentina, en 1909 gana el Segundo Premio en el Concurso Internacional Centenario de la Revolución de Mayo. Vuelto a España gana el Gran Premio de Honor en 1911 en la Exposición Internacional de Arte de Barcelona. En 1916 regresa a Argentina para realizar el Monumento-mausoleo a Rivadavia.

Participa en el X Salón Nacional de Bellas Artes de 1920. En el año 1938 es miembro fundador de la Academia Nacional de Bellas Artes.

Fallece en Buenos Aires el 4 de marzo de 1950 a los 71 años de edad.

LOLA MORA

Dolores Candelaria Mora Vega de Hernández, nació en El Tala, Departamento La Candelaria en la Provincia argentina de Salta- el 17 de Noviembre de 1866. Por falta de párroco, su nacimiento fue inscrito en jurisdicción de Tucumán, lo que ha hecho que ambas provincias se disputen hoy en día su nacimiento.

Lola creció en el seno de una familia económicamente próspera. Hija de un hacendado tucumano, una estanciera boliviana y ahijada del ex presidente argentino Nicolás Avellaneda.

Con cada golpe de martillo abrió camino en la historia del arte argentino al convertirse en la primera escultora del país.

Su educación como artista comenzó con las clases de pintura con Santiago Falcucci,

En el año 1896 viaja a Europa a estudiar en Roma , a partir de allí, su carrera como artista creció a grandes pasos. Ganó concursos internacionales, esculpió para la nobleza peninsular y también trabajó por encargo para distintos gobiernos de su país natal. En todas sus obras conservó el estilo escultórico neoclásico italiano que aprendió en Europa.

El talento de Lola Mora y, en particular, su fuerte personalidad la convirtieron en una mujer adelantada a su tiempo. Lola fue idolatrada en Europa pero, lamentablemente, duramente cuestionada en su país. Muchas de sus obras fueron víctimas de ataques, y desprecio; le adjudicaban dudosa moralidad y de ser “libidinosa” al mostrar cuerpos desnudos, especialmente si era a veinte metros de la Catedral porteña. En la actualidad se pueden encontrar sus esculturas en distintas provincias del país.

No obstante, del escándalo a la gloria Lola hizo historia. Hoy en día nadie discute ni se escandaliza por sus desnudos. El difícil papel de una mujer que decide llevar adelante su vocación en una sociedad consevadora tuvo sus costos para la audáz precursora. La vejez la encontró pobre y con trastornos mentales. Sin embargo, el amor ferviente de Lola por sus piezas de mármol se mantuvo vivo hasta el último tiempo de vida. Muchos son los que la vieron dirigiéndose por la Costanera Sur muchos días de lluvia a secar con un trapo, curva por curva, las piedras que con tanta pasión supo esculpir como ninguna.