Semana de Cine de los Pueblos Indígenas: convocatoria a cineastas latinoamericanos

16 de mayo de 2014

Semana de Cine de los Pueblos Indígenas: convocatoria a cineastas latinoamericanos

El Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Dirección Nacional de Promoción de los Derechos Culturales y Diversidad Cultural, invita a realizadores argentinos y latinoamericanos a participar de la segunda edición de la Semana de Cine de los Pueblos Indígenas, que tendrá lugar, a partir de julio y hasta noviembre, en cinco provincias: Mendoza (julio), Jujuy (agosto), Chubut (septiembre), Córdoba (octubre) y Misiones (noviembre).

• Descargar bases y condiciones

La fecha límite de recepción será el viernes 13 de junio de 2014 y se contemplará como válida la fecha del matasellos postal.

La actividad está organizada junto con comunidades indígenas y organismos locales, y cuenta con el aporte en la programación de la muestra del historiador indígena Qom Juan Chico.
El objetivo del encuentro es brindar un panorama audiovisual sobre diversos aspectos culturales, sociales, económicos y políticos de los pueblos originarios de Latinoamérica, y promover un lugar de encuentro y reflexión sobre la temática.
Para ello, se realizará una convocatoria abierta a realizadores latinoamericanos -indígenas y no indígenas- invitándolos a participar con sus producciones, ya sean documentales, ficciones, animaciones o experimentales. De esta manera, se busca también democratizar la difusión de contenidos, ofreciendo un canal de exhibición para producciones audiovisuales independientes que, de otra forma, raramente llegan a todo el país.
En el marco de la muestra, además, se desarrollarán talleres, charlas, mesas redondas y exposiciones, en las que se discutirá sobre aspectos tan variados como: la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual, la Ley de Emergencia en materia de posesión y propiedad de las tierras y las políticas públicas en su relación con las comunidades indígenas, entre otras.
La Semana de Cine de los Pueblos Indígenas contó con su primera edición en el 2013, con instancias en Córdoba y Mendoza, en los meses de julio y septiembre, respectivamente, y una masiva asistencia a las funciones de las más de 20 producciones audiovisuales exhibidas y a las actividades paralelas.

ART CLOKEY

Art Clokey es el nombre artístico por el cual es más conocido Arthur Charles Farrington (12 de octubre de 1921 en Detroit - 8 de enero de 2010 en Michigan) director de cine estadounidense célebre por sus animaciones stop motion con arcilla y otros materiales sólidos flexibles.
Se hizo conocido por crear junto a su esposa el personaje Gumby en la década de los 1950. Así Art Clokey es considerado el pionero de la animación cinematográfica basada en plastilina con la cual experimentó desde 1955 en un cortometraje llamado Gumbasia , influido por su profesor Slavko Vorkapich , en la Universidad de California del Sur . Clokey era un graduado de la Universidad de Miami y de Oxford en el Ohio , donde su padre adoptivo, José W. Clokey , fue decano de la facultad de bellas artes.
La estética de este entorno es la base para uno de sus personajes más famoso: Gumby . Desde 1956, Gumby siempre ha estado presente en las pantallas de Estados Unidos y Canadá , haciendo apariciones en diferentes series de televisión y 1995 en la película llamada precísamente: Gumby: The Movie (Gumby:la película) . Otro famoso dúo de la producción es el de Davey Clokey y Goliath , patrocinado por la Iglesia Luterana .
Característica poco conocida de Art Clokey es que realizaba con poca plastilina películas semejantes a los dibujos animados basándose en su inventiva visual y la experimentación (es decir, estaba muy distante aún de las facilidades que permiten los diseños asistidos por ordenador).
Clokey no sólo se ha destacado por su primera película importante -Gumbasia- sino por el film de gran riqueza visual Mandala al cual el mismo Clokey ha descrito como una metáfora de la evolución de la conciencia humana - por ejemplo en lo bizarro del diseñado pavo real de plastilina- que ha resultado ser un logotipo de la cadena de televisión estadounidense NBC .
Falleció el 8 de enero de 2010, a los 88 años.

Texto: Wikipedia
Imágenes: de la Web

LOS MARZIANOS (Trailer del film)

Guión costumbrista con un gran elenco. Estreno en salas el 14 de abril.

ROBERT FLAHERTY

Robert Joseph Flaherty Nació en Iron Mountain, Michigan, un 16 de Febrero de 1884 y murió en Dummerston Vt. el 23 de Julio de 1951. Era hijo de un Ingeniero de minas y desde pequeño tuvo mucha relación con mineros e indios. Su padre se hizo explorador de nuevas tierras y a veces llevaba a Robert en sus exploraciones. En 1910 Flaherty inició su trayectoria de explorador en busca de yacimientos y en 1913 la persona que lo contrataba le sugirió que grabase su expedición. Así fue. No sin antes asistir a un curso de filmación que duró tres semanas, pues Flaherty no sabía nada de cinematografía.
Lo que empezó siendo una casualidad se convirtió en verdadera afición. En 1916 mientras realizaba su primera película la fatalidad hizo que un cigarrillo incendiara todos los negativos filmados durante esos tres años de expediciones. Flaherty casi pierde su vida al tratar de salvarlos. Así pues, sin negativos y poco satisfecho con la copia que había realizado ("se trataba de escenas sueltas , sin relación entre sí, sin hilo conductor") decidió concentrarse en la vida de un esquimal y su familia y vover a grabar. Después de reunir los fondos necesarios e ir a la costa nororiental de la bahía Hudson comenzó a filmar en 1920, en primavera de 1921 reveló allí mismo el material, en verano volvió a casa y en invierno acabó el montaje. A principios de 1922 Nanook, el esquimal estaba lista para su distribución. La Paramount al igual que otras cuatro grandes compañías cinematográficas lo rechazaron por considerar poco comercial la película. Fue la organización Francesa Pathé quien la distribuyó el 11 de Junio de 1922 con un éxito inmediato.
En 1964 en el festival de Mannheim los autores y autoras de documentales seleccionaron a Nanook, el esquimal como el mejor documental de todos los tiempos.

GATURRO, LA PELÍCULA - Trailer

En sus primeros días de exhibición, fue el film elegido por el público argentino, se posicionó primera en asistencia de espectadores. Se estrenó el jueves 9 de setiembre. Cine nacional de animación, en 3D, con calidad y para toda la familia.

LA STRADA - Federico Fellini

LA STRADA (1954)
Dirección: Federico Fellini.
Intérpretes: Giulietta Masina, Anthony Quinn, Richard Basehart, Aldo Silvani.

Gelsomina (Giulietta Masina), después de ser vendida por su madre, se convierte en compañera del bruto y fornido Zampanó (Anthony Quinn), un hombre que se gana la vida realizando espectáculos circenses callejeros.
Proveniente de las enseñanzas del neorrealismo, en esta primera etapa de retrato social, Fellini, siempre trata de huir del dramatismo exacerbado de sus predecesores, para centrarse en historias simplemente humanas, dentro de una estética que sí puede emparentar con sus maestros, más radicales.
En “La Strada”, elige a dos personajes marginales, Zampanó (Anthony Quinn) y Gelsomina (Giulietta Masina), que el azar unirá sus destinos, para definitivamente separar sus caminos imposibles.
Zampanó es un mísero “artista” circense que se gana la vida en la carretera, haciendo su patético número en las calles de la hambrienta Italia de posguerra, al morir su compañera adopta como ayudante a Gelsomina, una muchacha que hoy denominaríamos “discapacitado psíquico límite”, que, como es habitual, rebosa inocencia y bondad. Enfrente un Zampanó, sin muchas más luces, pero brutal y primitivo.
El film, con este escenario, se convierte verdaderamente en una historia de amor imposible, más que en la denuncia social, que como fondo, se desenvuelven los personajes, (en uno de los mejores trabajos en la carrera de ambos protagonistas).
El amor dulce y abnegado de la enternecedora muchacha, choca una y otra vez con el amor orgulloso y egoísta de Zampanó, ciego y temeroso de sus propios sentimientos, aunque acabará finalmente tomando conciencia de su ya inevitable y amarga soledad.
Una lección espléndida sobre la incomunicación, el egoísmo, y finalmente el desamparo, frente a la bondad, la inocencia y el infinito corazón que posee la ¿disminuida? Gelsomina.

Angel Lapresta
www.alohacriticon.com

GATURRO, EL PEQUEÑO MILAGRO LLEGÓ AL CINE EN 3D

El film del personaje de Nik llevó 4 años de realización y costó U$S 3,5 millones.

Se estrena el jueves 9 de Setiembre

3D: La película de Gaturro es la primera en su género realizada en Latinoamérica.

Nik está feliz. Faltan tres días para que Gaturro, su personaje más famoso, salte de la historieta en papel a la pantalla del cine y se convierta en la primera película 3D realizada en Latinoamérica. “Estoy contentísimo porque fue un trabajo muy grande”, cuenta emocionado. Y tiene suficientes razones para estarlo.

"Gaturro, la película”, dirigida por Gustavo Cova y producida por José Luis Massa, costó más de 3 millones y medio de dólares; se realizó íntegramente en computadora con una técnica llamada estereoscopía (lo que permite verla en tres dimensiones); y fue concebida en la Argentina en una coproducción con la India y México. Además, Nik participó del guión y de la supervisión de todos los detalles.

Fuente: www.perfil.com

AUGUSTE Y LOUIS LUMIÈRE

Auguste (Besançon, Francia, 1862-Lyón, 1954) y Louis (Besançon, 1864-Bandol, Francia, 1948). Ambos realizaron importantes descubrimientos en el campo de la fotografía. Su padre, Antoine, era un conocido pintor retratista que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía; tanto Louis como Auguste continuaron con el negocio familiar.
Louis desarrolló un novedoso método para la preparación de placas fotográficas, que convirtió la empresa familiar en líder europeo del sector. En 1894, Antoine fue invitado a presenciar una demostración del kinetoscopio de Edison. Fascinado por el invento, propuso a sus hijos que buscasen la manera de mejorarlo, ya que se trataba de un aparatoso artilugio, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a través de una ventanilla.
Un año más tarde, Louis había hallado la solución. En 1895 Louis consigue construir en Lyón, el primer aparato cinematográfico. Con él rodó la salida de los obreros de su fábrica, su primera película formó parte del primer programa cinematográfico presentado en público, en París el 28 de diciembre del presente año.
Uno de sus primeros films, La llegada de un tren a la estación de Ciotat, el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue sorprendente.
Mientras Auguste seguía con sus actividades hacia la biología, Louis Lumière siguió innovando en el campo de la imagen con la creación del fotograma, la placa de tricromo para fotografiar en color, la fotografía en relieve y el cine estereoscopio.
La idea inicial de los Lumière en cuanto a la aplicación práctica de su invento estaba muy lejos de lo que ocurrirá posteriormente. Su intención era captar la realidad cotidiana, capturarla en tomas y mostrarla al gran público, todo ello sin grandes artificios ni apenas preparativos previos acerca de los que se va a narrar. Sin embargo, el éxito del invento fue inmediato, debiendo renovar aceleradamente su producción para poder mostrar más imágenes al público. Es así como el invento da un salto cuantitativo, mostrando el camino de la industria en que poco más tarde se convertirá. El gran impulso en este sentido lo dará Méliès, el primero que aportará al cine la creatividad y métodos de realización con que contará posteriormente.
Por su parte, los Lumière habrán de hacer frente al éxito de su artefacto, con una constante demanda tanto de cintas como de máquinas, lo que convierte a su ciudad, Lyon, en la primera meca del cine, al ser el centro de su producción.
La actividad inventora de los Lumière no se para en el cinematógrafo original, sino que intentan perfeccionar su invento y el registro gráfico de imágenes, investigando en los campos del color o el sonido, mejoras que aun tardarán varias décadas en ser efectivas.

"SHREK PARA SIEMPRE", RECORDS DE ESPECTADORES

A tan sólo 8 días de su estreno, la película llegó al millón espectadores. El último filme del ogro verde es furor en todo el mundo

La película "Shrek para siempre" sigue batiendo récords: en la Argentina superó el millón de espectadores en su primera semana de exhibición.
El filme, que llegó a los cines el jueves 8 de julio, es la película más vista y todo parece indicar que seguirá batiendo récords durante el receso invernal que comenzó hoy en Capital Federal.
El film de DreamWorks cuenta con las voces de Mike Myers (Shrek), Cameron Diaz (Fiona), Eddie Murphy, Antonio Banderas, Justin Timberlake y Julie Andrews, entre otros.
En Shrek 4 el ogro cae en el engaño de Rumpelstiltskin, el cual transforma el bello mundo que conoce en algo mucho más siniestro.
Por tal motivo Shrek tiene que arreglar lo que ha estropeado y recuperar el corazón de Fiona, pero puede que ya sea demasiado tarde.

Fuente: infobae.com

EXHIBIRÁN UN FILM PERDIDO DE CHAPLIN

La película es de 1914 y fue vendida el año pasado en una venta de antigüedades. Sin embargo el historiador que la compró descubrió "la sorpresa" hace pocos meses

Un cortometraje mudo de comedia que estuvo desaparecido por décadas, le dará una gran sorpresa a los amantes del cine e historiadores cuando un rostro conocido aparezca en la pantalla con un uniforme policial y ese inolvidable bigote.

La película de 1914 A Thief Catcher pasó tantos años desaparecida que la gente olvidó que Charlie Chaplin actuó en la misma como un bufón de policía, con sus característicos gestos y movimientos.

El film apareció el año pasado en una venta de antigüedades en Michigan. El historiador de cine Paul Gierucki pensó que estaba comprando sólo otra comedia de los Keystone Studios.

De hecho no vio la cinta de 16mm por meses. Entonces, en marzo, se dio cuenta que tenía una de las primeras películas de Chaplin.

El sábado se hará la primera exhibición pública de la película desde 1914 en un festival de cine en Arlington, Virginia.

Fuente: AP

"CÓMPLICES DEL SILENCIO" (Película)

"CÓMPLICES DEL SILENCIO" - UN FILM DE STEFANO INCERTI

Estreno: 17 de junio de 2010.
Ficha Técnica:
Dirección: Stefano Incerti. Guión: Rocco Oppedisano / Stefano Incerti (con la colaboración de Eugenio Melloni). Argentina / España / Italia. 104 min. 2009. Calificación: SAM 13 años.
Elenco:
Alessio Boni; Florencia Raggi; Jorge Marrale; Rita Terranova; Juan Leyrado; Thomás Fonzi; Giuseppe Battiston; Daniele Tedeschi; Víctor Hugo Carrizo.
Sinopsis:

La historia transcurre durante la caótica Argentina del Mundial del '78. Cuenta las vivencias de Maurizio Gallo (Alessio Boni), un periodista deportivo italiano que llega a Buenos Aires para cubrir el evento y conocer a sus parientes que emigraron en la década del '50. Mientras realiza su trabajo, el protagonista se enamorará de Ana (Florencia Raggi), una joven que milita en una organización de izquierda, lo que pondrá en peligro no sólo sus vidas, sino también las de aquellos que los rodean.
Sobre el film:

En "Cómplices del silencio", Stefano Incerti conjuga el cine de género con el compromiso social. Su intención fue relatar una historia de amor que se transforma en un thriller con la esperanza de llegar a un público que comprenda el horror de esa época. Como curiosidad, hay que señalar que el actor Alessio Boni preparó el papel leyendo textos de Historia Argentina e informándose sobre el Proceso Militar en particular. Por su parte, Florencia Raggi destaca el tema de la apropiación de niños y su trabajo con una coach para incorporar el 'italiano' (idioma que terminó por adoptar).

www.primordiales.com.ar

FRENTE A LA CLASE

PELÍCULA QUE NO PODEMOS DEJAR DE VER, QUE NADA SEA UN IMPEDIMENTO PARA REALIZARNOS COMO SERES HUMANOS Y PROFESIONALES EN LO QUE HAYAMOS ELEGIDO...

"Front of the Class" está basada en la verdadera historia de Brad Cohen - representado en la película de Jimmy Wolk - que, "después de haber sido diagnosticado con el síndrome de Tourette desde una edad muy joven, desafía todos los pronósticos para convertirse en un gran maestro".

BAMBI

Bambi es una película clásica de animación y en color, basada en el cuento Bambi, una vida en el bosque publicado en 1923 por el autor austriaco Felix Salten. La película fue realizada y producida por Walt Disney y fue distribuida por la compañia RKO Radio Pictures, su estreno fue el 13 de agosto de 1942, y es la quinta película de la serie de clásicos animados de Walt Disney.
Los personajes principales son Bambi, un ciervo de cola blanca, sus padres (el Gran Príncipe del bosque y su madre), sus amigos Tambor (un conejo de hocico rosado), y Flor (un zorrino), y su amiga de la infancia y futura pareja Faline. Para esta película, Disney se tomó la libertad de modificar la especie de Bambi de un corzo en la historia original, a un ciervo de cola blanca, ya que el corzo no habita en Estados Unidos, y el ciervo de cola blanca es más familiar para los norteamericanos. Esta película fue distinguida con tres premios de la Academia en las categorías de Mejor Sonido, Mejor canción por "El amor es una canción" y Composición Musical Original.

TANGO (Película Argentina Año 1933)

Actores: Tita Merello, Libertad Lamarque, Azucena Maizani, Luis Sandrini, Pepe Arias, Alberto Gómez, Mercedes Simone, Alicia Vignoli
Género: Musical

Esta es la historia de una muchacha del arrabal, que desoye las palabras de un hombre que realmente la quiere y se fuga con el guapo del barrio.
El 27 de abril de 1933 se estrenó la película “Tango”, dirigida por Luis J. Moglia Barth siendo la primera película sonora argentina, pero aclaremos, que se estrenó comercialmente. Porque sucedió que este director en 1932 había filmado “Consejo de tango” con María Esther Gamas y Carlos Viván. De todas maneras antes hubo algunos intentos como el del corto Mosaico criollo, o los intentos de José A. Ferreira como La canción del gaucho, El cantar de mi ciudad y Muñequitas porteñas que ya se anunciaba como el primer film argentino totalmente hablado. Por supuesto no podemos dejar de lado los cortos filmados por Carlos Gardel y dirigidos por Eduardo Morera en 1930.Pero fue en “Tango” donde el cine nacional se encontró formal y oficialmente con el sonido. El estreno se produjo aquel día de abril en el Cine Real y luego fue pasando a otras salas, lo que permitía que el gran público pudiera ver, por primera vez, a sus ídolos, hasta ahora escuchados en la radio.
En la película se invirtieron $20.000 pesos de esa época y las ganancias multiplicaron varias veces esa inversión. También fue el inicio de unas de las productoras mas grandes del país (Argentina Sono Film)

ANTHONY QUINN

Nació el 21 de abril de 1915 en Chihuahua, México, con el nombre de Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca. Según el actor, sus padres fueron: Francisco Quinn, de origen medio irlandés y medio mexicano, y Manuela Oaxaca, mexicana descendiente de aztecas. Su padre había participado en la Revolución mexicana y allí conoció a la soldadera que iba a ser su madre.
A muy temprana edad, su familia se trasladó a Texas y sucesivamente a Los Ángeles, California; viviendo su primera infancia en en medio de una enorme pobreza de medios económicos. Su madre estuvo mucho tiempo tras los pasos de su marido, participante de las huestes de Pancho Villa, y con una gran abnegación y sacrificio realizó labores de lavandera para mantener a su retoño Antonio en haciendas de Texas y Juárez.
Por fin, en 1919, marido y mujer se reunieron y se trasladaron como inmigrantes a California. Antonio ya cumplido los cinco años comenzó a trabajar como recolector de frutas y jornalero.
En 1920, los Quinn se trasladaron a Los Ángeles para tentar mejor suerte; su padre hacía grandes esfuerzos para mantener a su familia sin poder despegar de la pobreza. Antonio realizó labores de lustrabotas y vendedor callejero de periódicos.
Estudió en establecimientos educativos de su barrio, sin alcanzar a terminar sus estudios, por el fallecimiento de su padre en 1926, lo que lo obligó a buscar trabajos informales para ayudar a su familia. La pérdida de su padre lo marcó profundamente.
Acicateado por la pobreza y con un espíritu de superación desbordante, trabajó haciendo diversos oficios tales como peón de hacienda, friegaplatos o mensajero de correo. Para esa época era un joven inteligente, rudo, belicoso y rudimentario en su modales, pero ya se había propuesto surgir al precio que fuese necesario.
En su adolescencia, empezó a interesarse en el arte e intentó ser retratista de estrellas de Hollywood. Intentó ganarse la vida como imitador de estrellas tales como Bing Crosby y Louis Armstrong, entre otros, haciendo las veces de bufón en fiestecillas, pero no tuvo el éxito que esperaba, por lo que volvió a trabajar como obrero de construcción y carnicero.
A los 16 años, aprovechando su complexión y su altura (1,88 m), practicó el boxeo profesional con el mismo fin. Ganó 16 peleas, pero en la 17a. fue destrozado por un rival mejor, y se retiró del oficio.
A los 17 años de edad se casó con una chica llamada Silvia, una mujer 17 años mayor que lo introdujo en el estudio del arte y la filosofía, ella le hizo tomar clases de dicción para mejorar su capacidad de expresión oral y mejorar sus rústicos modales.
Más tarde, en 1935, cursó estudios de pintura y de interpretación en el Polytechnic High School y de arquitectura con Frank Lloyd Wright, y obtuvo el primer premio por un diseño arquitectónico que realizó. Sin embargo, se sintió atraído por la carrera cinematográfica gracias al apoyo de la estrella de ese momento, Mae West, quien lo avaló como extra, y, luego de incursionar en el ambiente teatral.
Por su apariencia "multiétnica" y su paso por el boxeo en sus facciones, siguió interpretando roles secundarios como nativo de los Estados Unidos, mafioso italiano, gángster, chino, árabe, filipino o hispano durante la década de 1940. Rodó alrededor de 15 filmes, encasillándose en papeles de hampón, villano y personajes de dudosa reputación.
Consiguió su nacionalización estadounidense en 1947.
A fines de la década volvió al teatro, obteniendo éxito en Broadway en la obra Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams.
En 1947 consiguió su primer papel estelar en el film Black Gold, donde personifica a un nativo americano que se convierte en millonario petrolero, contando además con la participación de su esposa Katherine en el film.
Continuó su carrera en algunas series de televisión entre 1949 y 1951, volviendo al cine en la película ¡Viva Zapata! (1952), del director Elia Kazan, donde recibió su primer Óscar al mejor actor de reparto, por su excelente interpretación como Eufemio Zapata, y fue ésta la primera ocasión en la que un actor de origen hispano recibía el premio.
Una de sus principales características era el "robar" el protagonismo al actor principal, al destacar desde papeles secundarios. Su talento innato era tan evidente en consistencia, simpleza y credibilidad ..
En 1953 viajó a Italia donde, después de participar en algunas películas, logró el papel principal en la película La Strada (1954) de Federico Fellini, que ganó numerosos premios internacionales. Con esta película inició una nueva faceta interpretativa, marcada por el dramatismo y la intensidad en los papeles que interpretó en sus siguientes películas, bajo la dirección de importantes directores .
Recibió en 1956 su segundo Óscar al mejor actor de reparto, por su rol del pintor Paul Gauguin en la película El loco del pelo rojo, del director Vincente Minnelli, sobre la vida de Vincent Van Gogh. Es destacable mencionar que él solo aparece 8 minutos en la película. El papel principal lo interpretó Kirk Douglas.
En 1956 hizo una notable interpretación de Cuasimodo en el film Notre Dame de Paris, junto a Gina Lollobrigida. En 1958 dirigió él mismo una nueva versión de la película El bucanero (The Buccaneer), en la cual había participado en un papel secundario en 1938. Esta segunda versión sería su única participación como director de cine.
En 1962, su matrimonio con Katherine De Mille estaba muy deteriorado y se enamoró de Iolanda Addolari, una ayudante de vestuario, mientras rodaba Barrabás. Se divorció de Katherine y se casó en 1965 con Iolanda.
En 1964 realizaría el papel que lo marcaría el resto de su vida, en la interpretación del viejo Alexis Zorba en Zorba, el griego (1964), del director chipriota Michael Cacoyannis, por el que fue nominado al Óscar al mejor actor principal. La música del film fue creada por el compositor griego Mikis Theodorakis. Anthony Quinn participó además como coproductor de la película.
En la década de 1980 participó en una decena de películas, sin mayor notoriedad, en esta época se dedica principalmente a su gran pasión: la pintura y la escultura en bronce y mármol, donde gana dinero en sus exposiciones.
En la década de 1990 actuó en la serie de televisión Hércules, y actuó también en una nueva versión para TV de El viejo y el mar (1990), junto a su hijo Francesco. Luego en Fiebre salvaje de Spike Lee y en 1995 en Un paseo por las nubes, con Keanu Reeves y Aitana Sánchez-Gijón.
Su último rol fue el de un jefe mafioso en la película El Protector (2002), junto a Sylvester Stallone.
Otras de sus facetas artísticas fueron la escultura, la pintura y el diseño de joyería, sus obras son apreciadas y valoradas por su calidad.
A los nueve hijos de sus tres matrimonios, hay que sumar otros cuatro hijos más, que el actor tuvo con otras tres compañeras. En total suman trece sus hijos.
En enero de 1982, la casa donde vivió su niñez fue transformada en la Biblioteca "Anthony Quinn". El actor donó cerca de 3.000 objetos: fotografías, guiones, esbozos y borradores relacionados con su vida.
Falleció en Boston en 2001, a los 86 años, como consecuencia de una grave neumonía. Sus cenizas fueron arrojadas en el Cañón del Cobre en Chihuahua, de donde era originario.

CHARLES CHAPLIN

Sir Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 y falleció en Suiza el 25 de diciembre de 1977. Actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Óscar de Hollywood.
Con casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine.
El personaje en torno al cual construyó gran parte de su carrera cinematográfica, y que le dio fama universal, fue el de vagabundo (The Tramp, en inglés; Charlot, en italiano, francés y en España; Carlitos en Argentina y Brasil): un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, vestido con una estrecha chaqueta, pantalones y zapatos más grandes de su talla, un sombrero bombín, un bastón y un característico bigote. Su inconfundible caminar oscilante, una acentuada emotividad sentimental, y un desencanto melancólico frente a la impiedad y a la injusticia de la sociedad moderna, le hicieron emblema de la alienación humana — en particular de las clases sociales emergentes.

MARÍA LUISA BEMBERG

María Luisa Bemberg nació en Buenos Aires el 14 de abril de 1922 y fallece el 7 de mayo de 1995; feminista, directora de cine y guionista argentina que se destacó como directora de películas en temáticas referidas a la emancipación y reivindicación de la mujer. Su película Camila, fue elegida para competir al Premio Oscar como mejor película extranjera, una de las seis películas que accedieron a una candidatura en la historia del cine argentino. Estrictamente educada dentro de una familia patriarcal que influyó luego en su temática artística donde plasmó muchas de sus vivencias y su conocimiento de la aristocracia argentina. Las mujeres retratadas por Maria Luisa Bemberg en sus películas son arquetipos rebeldes observados con valentía y sarcasmo; en cada uno de sus films el objeto de rebeldía al cual se enfrentan es diferente (adulterio, iglesia, clase social, machismo, consumismo, incapacidad, etc) denunciando un pretendido "mundo femenino" que en definitiva no les pertenece. Influenciada por la década de los sesenta y el cine de Ingmar Bergman, la Nouvelle vague francesa e italiana, la obra de Julio Cortázar (especialmente la novela Rayuela), se inició como empresaria de espectáculos teatrales en 1959 fundando junto con Catalina Wolff el Teatro del Globo porteño. En Nueva York tomó clases con Lee Strasberg y en Argentina con Beatriz Matar. Fue una tenaz activista del feminismo y una de las fundadoras de la Unión Feminista Argentina lo que la lleva a realizar un arte vinculado a la problemática de la mujer. Fundó su propia empresa de producción cinematográfica con la productora Lita Stantic y a los 58 años, en 1981, dirigió su primer largometraje ("Momentos") siendo muy combatida por la censura militar durante la turbulenta década de 1970 en Argentina. Especializada en la problemática femenina (y su situación y enfrentamiento a la sociedad patriarcal argentina) evidente en sus películas "Señora de nadie" (1981), "Miss Mary" (con Julie Christie, 1986) y "De eso no se habla" (1993, con Marcello Mastroianni) obtuvo notable repercusión internacional con películas enfocadas en famosas mujeres de la historia latinoamericana como Camila sobre Camila O'Gorman con Susú Pecoraro e Imanol Arias que fue nominada al Premio Oscar como mejor film extranjero en 1985 y "Yo la peor de todas"(1990) sobre Sor Juana Ines de la Cruz con Assumpta Serna y Dominique Sanda. Murió en Buenos Aires enferma de cáncer a los 73 años mientras trabajaba en el guión de para su película El impostor basada en un cuento de su parienta por via materna Silvina Ocampo, hermana de Victoria Ocampo y esposa de Adolfo Bioy Casares. La película fue realizada por su colaborador Alejandro Maci en 1997.

PRIMER DIBUJO ANIMADO

Humorous phases of funny faces" (Fases humorísticas de faces divertidas)

El 6 de abril de 1906, se estrenaba en los Estados Unidos el cortometraje animado "Humorous phases of funny faces" (Fases humorísticas de faces divertidas). En la pequeña película, una serie de dibujos realizados con una tiza sobre un pizarrón parecen cobrar vida.
Algunos lo toman como el primer dibujo animado, otros mancionan las ilustraciones pintadas (cuadro por cuadro) en cintas de papel de Émile Reynaud, que datan de 1892.
Pero la animación de James Stuart Blackton se puede considerar, entre las pioneras, mostrando que el creador buscaba asombrar al público con todos los recursos y técnicas que poseía en aquel entonces.
Es una joyita histórica que muestra los albores de la animación, disfrútenla.

MILOS FORMAN

Miloš Forman (Jan Tomáš Forman), es un director de cine, actor y guionista checoslovaco nacido el 18 de febrero de 1932 en Cáslav, Checoslovaquia. Hijo de padres protestantes, se quedó huérfano a temprana edad después de que sus madre muriera en el campo de concentración de Auschwitz y su padre en Buchenwald, donde fue arrestado por distribuir libros prohibidos por el nazismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Milos vivió con parientes y luego descubrió que su padre biológico era un arquitecto judío. Después de la guerra acudió a la escuela pública y posteriormente, estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga.Dos de sus películas, Amadeus y Alguien voló sobre el nido del cuco (Atrapado sin salida), recibieron varios premios Oscar, incluyendo el de mejor director en ambas. Otras de sus obras también fueron reconocidas con premios internacionales de cine.

En 1968 cuando la URSS y sus aliados del Pacto de Varsovia invadieron el país para poner fin a lo que se llamó la Primavera de Praga, se encontraba en París negociando la producción de su primera película americana. El estudio checo para el que trabajaba le despidió, alegando que estaba fuera del país ilegalmente. Así las cosas, se trasladó a Nueva York, donde se convirtió en profesor de cine en la Universidad de Columbia y codirector de la división de cine de Columbia.

A pesar de las dificultades iniciales empezó a dirigir en su nuevo país y alcanzó notable éxito en 1975 con la adaptación de la novela Alguien voló sobre el nido del cuco (Atrapado sin salida), que ganó 5 Premios de la academia, incluyendo el de mejor dirección. En 1977, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. Otro éxito notable fue la película Amadeus, que ganó 8 Premios de la academia.En 1997 recibió el Globo de Cristal por su destacada contribución artística al mundo del cine en el Festival de Karlovy Vary.

AKIRA KUROSAWA

Akira Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910 y falleció el 6 de septiembre de 1998, fue uno de los más célebres directores de cine de Japón. Comenzó su carrera con Sugata Sanshiro (La leyenda del gran Judo), dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. Rashōmon no sólo logró hacer conocido el cine japonés en todo el mundo, sino que dio nombre a un tipo de narrativa fragmentada e inconsistente, conocida como el efecto Rashōmon, además está considerada la primera película judicial de la historia del cine.
Un aspecto notable de las películas de Kurosawa es la amplitud de sus influencias artísticas. Algunas de sus películas son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Ran está basado en El rey Lear, y Trono de sangre en Macbeth, mientras que Los canallas duermen en paz tiene ciertos paralelismos con Hamlet, aunque no está claro que se base en ella.
Kurosawa también dirigió adaptaciones de obras literarias rusas.
El director estadounidense John Ford también tuvo una importante influencia en su obra.
Aunque algunos críticos japoneses acusaron a Kurosawa de ser "demasiado occidental", también estaba profundamente influido por la cultura de su país.
Sus películas han tenido una gran influencia en el cine mundial, y todavía inspiran a muchos directores.
En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria.